展覽預告 

【韓湘寧的時空飛躍】-韓湘寧個展

展期/2017/10/14 ~ 2017/11/30
茶會/2017/10/14 PM3:00-5:00
作者/韓湘寧

晃盪中的凝定 ──韓湘寧的時空飛躍

                                                                                                                                                                                                                                                                        文/蕭瓊瑞

1960年代初期,年輕的韓湘寧甫自台灣師大畢業,即以突出的風格被「五月畫會」吸納為會員,並以極具建築意味的抽象繪畫,引起矚目。取材自中國古老器物及碑碣的趣味,以單幅版畫的手法,利用滾筒在占滿畫面的大塊長形造型中,配以一些細微的紅、黑色點,形如刀帛、錢幣,或巨大石碑,余光中形容那是一種「古典之凝重」。方莘則以「虛中之實」稱美他的創作,認為:那是一種「虛室生白」的靜中之動。

不過,不到10年的時間,1967年,韓湘寧即離台前往紐約。當時,他帶了很多自己的抽象作品前往,但是環境改變了,創作的心情也面臨了改變。幾乎一整年的時間沒有創作。但大量的參觀畫廊、美術館,看到許多不同表現手法的作品,觀念、視野也逐漸打開。為了生活,他在一家廣告公司擔任設計工作;一年後,經濟逐漸安定,他便欣奮地在蘇荷區找到一間倉庫當畫室。此時,適逢美國照相寫實主義初興,同時,由紐約抽象表現主義繪畫衍生的極簡藝術,也正達於顛峰;那些巨大的畫幅、細膩的表現,給予年輕而敏銳的韓湘寧極大的震撼與反省。他開始知覺過往表現的語彙,也就是那些來自古老中國的文物與內涵,顯然和現實的生活隔離太遠;於是重新從現實生活中擷取題材,也嘗試使用噴槍來代替之前的滾筒、畫筆,一批以白牆上的白色電器開關為題材的作品於焉誕生,在極簡的畫面中,有了充滿細膩質感的現實物。甚至,他以噴槍將整個房間噴上一層淡淡的色彩,這種脫離畫布的藝術行動,反映了韓湘寧帶著「觀念藝術」的創作特質。

之後,他發現這種以「噴槍」完成的繪畫,和「新印象派」的點描技法,頗有相通之處,於是直接將秀拉(Georges-Pierre Seurat,1859-1891)的作品放大,以噴槍噴出細小的色點,進行創作的嘗試。在大約完成八幅之後,便開始自己構圖,以紐約周遭的景色,如:停車場、工廠、高速公路,及帝國大廈向下眺望的街景……作為題材,終於有了自己的風貌。

這些先以照相機拍攝,放大到畫布、描形,再以噴槍施彩的作法,看似與「照相寫實主義」的手法相同,但在韓湘寧的創作中,卻是完全不同的理念。因為「照相寫實主義」的目標,最終是極度客觀的寫實,而韓湘寧則是在創作中表達了自己的主觀印象。

這是一個相當緩慢而繁冗的創作過程,首先畫家在畫布上以幻燈機投影,勾勒好景物概略輪廓後,再用紙版依景物的輪廓剪出紙樣,每噴一種顏色在畫布上,便須把不同色域的部份遮去。噴槍的距離保持在1~2尺間,以獲得較柔和的效果。如此的剪、貼、噴色、再剪、再貼、再噴色,前前後後,往往要歷經一、兩百次的功夫,大約是兩週到三個月的時間,才能完成一幅作品。而在色彩方面,韓湘寧經常將各種色彩都加入白色,以取得中間色調的組合;最後,整體畫面呈現出一種猶如烈日下或迷霧間的效果。因此,一開始從幻燈機投射出來的,原是一種現實中的影像,等到作品完成,已完全是藝術家主觀創作的成果,帶著畫家強烈的觀念表現。

韓湘寧正是以這樣的創作表現,成為紐約知名畫廊OK.哈利斯畫廊的長期合作藝術家;並在1976年,獲選為美國建國兩百週年紀念百位外裔傑出藝術家中僅有的兩位華裔藝術家,另一位是建築師貝聿銘。

1980年代之後,韓湘寧將題材由風景轉為人物,原本極細的噴點,讓位給了純粹手工的點描,但絕然不同於秀拉新印象派的點描手法。除了色彩的低沈、乃至黑白外,韓湘寧畫面的點,更像是中國傳統水墨繪畫中的苔點,含蓄而帶著豐富的層次。這是韓湘寧創作生涯中的另一重要轉折,這樣的手法,延續到1986年之後以中國蘇杭水鄉系列、1990年代的《黃山》系列,乃至2006年的《60青年》系列等。

2017年在台中月臨畫廊的展出,是韓湘寧近年來較完整的一次展出,雖然作品不算最多、尺幅也不是最大,卻帶著高度回顧與自傳的性質。

此次展出年代最早的作品,是兩幅1971年的〈紐約環河〉,也是韓湘寧初抵紐約形成自我風格時期重要的代表作品。在看似一片迷濛、低限的畫面中,表現出紐約城市與母親之河哈德遜河的緊密關係,高聳的建物與開闊的長島,就位在廣闊的天空與河面之中,似有若無間,反而更令觀者有意無意地逼近凝視;看似以白色為主調的畫面中,其實暗含了諸多的色彩變化。〈紐約環河-1〉中左方較遠的煙囪,恰與右邊巨大的船影形成呼應,一遠一近、一輕一重,也讓原本較為平面單調的畫面,多了一些空間的深遠與形體的變化。而〈紐約環河-2〉,也是在看似一片灰白的色調,其實明顯地有著偏向暖色的韻味;左側巨大的樹叢,對映出右側兩座延展的鐵橋……。 韓湘寧這種長鏡頭取景的手法,看似客觀、冷靜,但以噴槍層疊、烘染之間,卻頗能予人深刻且持久的印象。1971年,也正是韓湘寧和OK.哈利斯畫廊開始合作的那一年。

赴美後的韓湘寧,作品曾在1975年由台北的畫廊攜回台北展出,但真正的返台個展,則是在1980年4月,由好友李錫奇主持的版畫家畫廊安排,在台北畫壇掀起一波熱潮,媒體以「海外藝術家返國」為題大幅報導,甚至舉辦座談會。為了此次個展,韓湘寧甚至提前返台,在台北街頭取景,作為創作的題材。

此次月臨畫廊展出的〈台北武昌街〉,已是1990年的作品,稍帶俯瞰的角度,強烈的明暗對比,描繪出台北街頭摩托車爭道的活絡景像,以密集的街屋為背景,寬闊的柏油路面,白色的分隔線,加強了景深、也提供了視覺的秩序感,遠端隱然還有橫越路面的白色斑馬線。乍看如黑白照片的畫面,其實仍蘊含了微妙的色彩變化。

多幅〈台北鳥瞰圖〉,則是為此次畫展特別提供的新作(2017),可粗分為兩類。一是以較高的視角,俯瞰台北的街頭,在長條形的畫幅中,一些帶著色彩的車輛,穿梭在光影交錯、乃至微塵浮動的筆直街道間,觀者成為超越紅塵的冷靜觀看者。另一批是以較為平視的視角,描畫台北蓋滿鐵皮屋的城市屋頂,那是一種充滿原始生命活力的景觀;相對的,也有籠罩在濛濛霧氣間的林立大樓……。

除了這批都市風景,此次展出,也提供了一件 1994年的〈黃山〉。這是韓湘寧當年初返中國大陸,攀登黃山的創作。塞滿畫幅的巨岩古松,強烈的光影對照,都是由緜密的黑白色點組構而成;中國的水墨畫法和西方的攝影美學,在韓湘寧的創作中,進行了有趣的對話與融和。1980年代,林清玄以〈米芾說不定也用噴槍〉為題介紹韓湘寧,文中提及:韓湘寧對他說:「如果米芾生在今世,說不定也會用噴槍,這只是環境不同影響了工具的選擇。」當時,韓湘寧還未回到中國大陸,也還未創作《黃山》系列。也因為有《黃山》系列的創作,韓湘寧在1992-1994年間也創作了另一批《偉大的國畫》系列,以紙本墨點重組中國古代經典山水畫作,包括范寬的〈谿山行旅圖〉及李唐的〈萬壑松風圖〉……等,一如1970年代,放大秀拉的作品一般,在相當的層面上,韓湘寧的這類創作,其實帶著強烈「觀念藝術」的成分。

「觀念藝術」的成分,更清楚地表現在2006年的那批《60青年系列》作品中。60年代,是韓湘寧成長出發的年代,他始終自覺:那是一個相當幸運也幸福的年代。他以這個年代的年輕人為對象,採墨點的手法,將人物的肖像凝凍在畫布上,有台北人,也有雲南人……。從純粹繪畫的表現上,這些肖像式的人物畫,似乎沒有太大的特殊性,但將他們集中成一個系列,跨越時空,便產生了意義;那是一種歷史學式的考證,也是人類學式的田調、記錄。隱隱約約中,我們似乎又想起了1960年代初以中國古文物為創作題材的年輕韓湘寧,那種時空飛躍、縱橫古今,出入現實與超現實間的獨特藝術心靈。

2017年台中月臨畫廊的展出,最具代表性的展品,是一批題名為「自畫像」系列的新作,均完成於2016年與2017年,包括:2016年的《自畫像》系列,和2017年的《大理而居魚池自畫像》、《大理陽光自畫像》等。

2016年的五幅〈自畫像〉,都是城市街道積水處中拿著相機拍照的藝術家倒影。2017年的六幅〈大理而居魚池自畫像〉則是以俯視魚池鯉魚在水紋中游動的景像為題材;兩幅〈大理陽光自畫像〉,應是站在大幅玻璃窗前,窗外風景與室內人影交疊的景像。這是韓湘寧藝術創作的另一里程,註明媒材為「噴墨畫布」,顯然是以相機拍攝,適度的數位後製處理後,直接以現代的「噴墨」技術,成像於畫布之上。

這是韓湘寧對工具使用的另一新嘗試,也是對藝術創作的另一突破與表現。韓湘寧曾說:

「我從不肯循著昨日思考的路以進行今日的思考,我的基本思想雖然未曾改變,但隨時都在開展,而我的表現方式是跟隨著我的思想前進。」

又說:

「假如工具的可能性使我感到適切,我就嘗試著去開拓那些可能性。」

1960年代中國古文物時期的滾筒、1970年代的照相機和噴槍、1980年代的手繪墨點,到2016年之後的「噴墨」成像……,韓湘寧始終在工具、媒材上開發、探索,展現無比的勇氣與毅力。

回到藝術表現的內涵,使用什麼工具、什麼媒材、什麼技法,都不重要,重要的是留下什麼作品?

韓湘寧從1960年代的中國古文物系列,跳躍到1970年的照相寫實手法,有人認為是一種斷裂!事實上,他的照相寫實,始終未曾真正的寫實,而在一種晃盪、迷濛、不確定性中,尋找一種凝定、永恆的價值,似乎這也是這位飛躍時空侷限的藝術家,始終如一的關懷。

在2017年的這個展覽中,有兩件以墨點手法完成的作品,相當引人注目。一件是題名〈卡拉OK〉的新作(2016),畫面中前方字幕呈現:「你說要遠行…..暗地裡傷心」。畫中景像,似乎是一個眾人遊行、抗議的場面,高舉的牌子,卻儘是台北故宮珍藏的古代繪畫經典名作。這似乎是對故宮國寶出國的一種抗議。

另一件是1991年的〈摩托車〉,也是以卡拉OK的電視螢幕畫面為構成,前方的老者,正是畫家本人,後方幾位共騎在一輛摩托車上的年輕人,正是當年「五月畫會」的會友,畫面前方字幕寫著:「我又何需  頻頻回首」,似乎是對當年年少時光的一種追憶與揮手道別!

以此幅作為此次展出的終結,顯然帶著高度回顧與自傳的心情!